Une préférence pour les motifs floraux sous forme d’ornements placés avec préméditation en marge de l’écriture, afin d’illustrer les bordures des manuscrits, marqua le début de la représentation florale. Cette prédilection déborda bientôt de ce cadre et s’étendit peu à peu à la peinture, accompagnée d’une évidente volonté de réelle authenticité du point de vue botanique. Le vocabulaire floral dépassera la miniature et les fleurs seront ainsi présentes dans la peinture flamande dès le XIVe siècle. Elles le seront le plus souvent à titre symbolique, en guise de motif dans le tableau au sein des représentations sacrées peintes par les primitifs flamands et hollandais. Jusqu’au XVIe siècle, on ne remarque aucun usage de la nature morte de fleurs en tant que telle. Elle apparaît plus tard, jouant un rôle autonome au cours du XVIIe siècle, mais quelques portraits, certains tableaux historiques intègrent de plus en plus souvent des éléments de nature morte. Le Portrait d’une veuve et d’un enfantde Cornelis de Visscher donne un exemple particulièrement significatif de cette utilisation d’une nature morte presque miniature insérée dans le portrait : un petit bouquet s’abrite dans une niche, placé là pour souligner sans doute le caractère transitoire de l’existence terrestre et renforcer  la signification générale et le ton donné à ce tableau.

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Traversez la salle 809, puis tournez à droite dans la salle 808 et regardez face à vous la "Corbeille de fleurs" d’Osias Beert.

Ces compositions de fleurs replacées dans leur contexte, dans la perspective de l’amateur et du spectateur de la Flandre et de la Hollande de cette époque, n’ont certainement pas été présentées par les peintres d’alors comme des images fidèles de la réalité. Il s’agit bien de mises en scène élaborées avec une recherche patiente, et même minutieuse. Ajoutons qu’elles étaient inconcevables dans ces pays nordiques où les jardins d’agrément étaient rares, les fleurs précieuses et inaccessibles, au même titre que de véritables objets de collection. Le fait même de reproduire coupées des fleurs aussi exotiques pour l’époque afin de les installer dans des vases ou de simples corbeilles, comme les présentent ces tableaux, d’un geste qui paraît aujourd’hui bien naturel et anodin, dépassait le vraisemblable. Il faut réaliser que ces bouquets parfois étourdissants, défiant avec aisance les lois de la pesanteur et ignorant avec audace la succession des saisons, l’ordre et les lois de la Nature, n’ont jamais existé ainsi composés dans la réalité ordinaire, mais bel et bien dans la seule et intarissable imagination des artistes. Ils ne sont en fait que des constructions et des reconstitutions harmonieuses et géniales de raretés étudiées d’après nature, ou copiées également d’après des illustrations de livres botaniques avec une précision toujours plus exacerbée. Le traitement singulièrement réaliste, comme le montre ici cette Corbeille de fleurs d’Osias Beert, tout en s’affranchissant dans ses débuts d’une quelconque interprétation, est marqué par une  rigueur attentive, proche parfois d'une certaine froideur naturaliste.

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Ressortez de la salle 806 et dirigez-vous vers la salle 803. Entre les deux salles, vous trouverez la "Sainte Famille" de Frans Francken.

Cette forme particulière de natures mortes de fleurs a été très utilisée par le peintre flamand Daniel Seghers, élève de Jan Brueghel de Velours dit l’Ancien. Ce dernier collabora à de nombreuses reprises avec Rubens comme en témoigne derrière vous le tableau Guirlande de fleurs avec la Sainte Vierge, où le médaillon religieux est de la main de Rubens et les fleurs de Brueghel. De fait, la couronne était un genre pictural réservé à certains peintres, voire même à certains ateliers, le motif central étant très souvent de la main d’un autre artiste. Cette guirlande entrelacée de fleurs et parcourue souvent de petits animaux servit tout d’abord à enserrer des Vierge à l’Enfant ou Sainte Famille, comme dans le tableau de Frans Francken. Elle entoura par la suite des symboles eucharistiques, puis servit à border des sujets profanes, des allégories et même des portraits. La symbolique spirituelle des fleurs y était marquée par le fond sombre, les excluant par là même du monde terrestre. Car ces œuvres dans leur contexte religieux, contribuaient à l’affirmation certaine d’une dévotion retrouvée, mais aussi à la glorification des manifestations divines passant par la beauté de la nature et la richesse de la Création. Le regard, attiré irrésistiblement par les fleurs et leur chatoiement, allait donc du sujet à l’ornement dans une même pensée symbolique : la couronne s’attachant aux idéaux de pureté, de fertilité, d’abondance et de vertu, l’ornement était là pour porter et magnifier la symbolique et la spiritualité du sujet religieux. Les fleurs utilisées, comme l’œillet et la rose, étaient des symboles de rédemption, tandis que les narcisses, les anémones et le lierre, rattachés à des images de la passion et de la mort, faisaient plutôt écho à la résurrection.

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Traversez les salles 803 et 802. En face de vous, descendez et remontez l'escalier. Continuez tout droit jusqu'à la salle 858. Tournez à droite dans la salle 859 où se trouve le "Bouquet de fleurs" de Bosschaert le Vieux.

Accès PMR : Traversez les salles 803 et 802.Dans la salle 802, tournez à gauche et traversez la salle 801 pour rejoindre la salle 800. Dans cette salle, tournez à droite et continuez jusqu'à la salle 848. Dans la salle 848, tournez à gauche pour entrer dans la salle 858. Tournez à droite dans la salle 859 où se trouve le "Bouquet de fleurs" de Bosschaert le Vieux.

A cette époque, la consécration de la nature morte s’exprima non seulement par la peinture réaliste de victuailles et de denrées consommables ou la mise en scène de tables mises et de banquets, mais également à la faveur de compositions florales très ordonnées. L’envolée et le succès de ces dernières ne furent sans doute pas étrangers à une vision nouvelle sur la nature, due notamment à l’essor de la science botanique, et s’accompagnèrent en outre d’une évidente mutation dans la pratique artistique. Avec l’apparition de ce nouveau champ d’interprétation, la peinture tendit en effet à une certaine normalisation dans l’exécution. Ainsi, quelques peintres furent spécialisés dans la nature morte de fleurs, d’autres dans celle des trophées de chasse ou tels autres encore reconnus inégalables dans la représentation des écailles luisantes des poissons, du reflet d’un cristal, de la ciselure d’une orfèvrerie précieuse. Il arriva même qu’une ville entière soit l’emblème d’une spécificité : de la ville d’Anvers fut originaire la grande majorité des peintres de fleurs, et qu’une même famille compte en son sein les représentants les plus talentueux d’une tradition. Ainsi dès 1600, les tableaux de fleurs se multiplièrent, et des familles d’artistes comme celle du peintre Ambrosius Bosschaert, dont les trois fils et les beaux-frères s’illustrèrent également dans la peinture de fleurs et de fruits, s’adonnèrent sans compter à leurs créations devenues de véritables modèles. Le Vase de fleurs de Jan van Huysum représente cette illustration digne d’une encyclopédie botanique, cet élégant florilège de fleurs rares s’affranchissant des saisons pour le plaisir des yeux, dans une imitation parfaite de fleurs réelles.

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Revenez sur vos pas jusqu’à la salle 848, puis prenez tout droit jusqu'à la salle 843. Tournez à gauche et continuez jusque dans la salle 840. Le "Bouquet de fleurs" de Bosschaert le Vieux se trouve à droite de l'entrée.

La nature morte s’est ralliée très tôt à l’exercice du trompe-l’œil, utilisant au passage avec esprit la grande majorité des conventions du genre. Les peintres eurent par exemple l’art de ne laisser aucun espace vide entre les fleurs, poussant l’habilité extrême jusqu’à vouloir les faire figurer toutes, parfois même sans aucune tige visible. Ce procédé du raccourci et de la juxtaposition eut le génie de mettre remarquablement et sciemment en valeur les raretés botaniques, offrant au regard interdit un véritable tapis multicolore. L’utilisation de la lumière a également participé à ces moyens pour surprendre l’œil et creuser l’espace en donnant l’illusion d’une perspective. Souvent les fleurs disposées au centre sont baignées de lumière, alors que les formes secondaires s’assombrissent progressivement vers le fond du tableau. D’autre part des détails architecturaux, comme la niche, très utilisée au début du XVIIe siècle, vont accompagner maintes fois de toute leur dimension illusionniste la présentation des bouquets, donnant sans conteste de la profondeur à celle-ci, procédé qu’utilisera Ambrosius Bosschaert l'Ancien. Les artistes ont usé de cet artifice architectural en jouant des ombres portées, ils ont tiré profit également des rebords de pierre et des assises de fenêtre pour accentuer ce jeu de recul et de mise à distance, pour mieux mettre en valeur et souligner la présence essentielle des végétaux.

Tout de suite sur votre gauche regardez le tableau de Balthasar van der Ast, "Fleurs dans une coupe en verre".

Certains éléments accompagnèrent ce genre de représentations dès sa création, comme les insectes, chenilles, petits vers et papillons venant envahir ou même ronger dans la discrétion les végétaux, sorte de convention qui se retrouvait dans les traités de botanique, recréant ainsi le monde des espèces dans sa continuité et son harmonie. Les petits insectes, mais aussi des coquillages rares participeront à la mise en scène, seront mis en avant, comme dans cette composition Fleurs, coquillages, papillons et sauterelle, ou en retrait de cet espace délimité, tandis qu’un cadrage serré obligera à un regard rapproché, presque collé au tableau. Toute une dialectique était censée s’instaurer dans ce subtil va-et-vient, cette accommodation incessante entre le détail et le lointain, entre l’infiniment petit symbolisé par un insecte ou une perle d’eau, et l’infiniment grand des horizons bleutés au loin, comme dans le tableau précédent. Correspondances volontaires, amorce d’une réflexion philosophique qui surgira dans la pensée, prélude à l’exploration, à l’interrogation peut-être sur la place de l’homme dans l’univers ? Très souvent, le support sur lequel tient le bouquet, ou la corbeille, semble au contraire étrangement absent. Abordé par certains artistes comme un élément peu essentiel, il ne comportera aucun détail suffisamment appuyé. Les compositions seront cadrées de façon à ne présenter au plus qu’un seul rebord, figuré par une simple ligne horizontale destinée à situer le fond du tableau et la position du vase dans l’espace. Cette austérité, cette économie de moyens probablement volontaire, ne fait que reporter davantage l’attention sur l’objet même du tableau et l’extraordinaire précision avec laquelle les fleurs sont rendues.

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Regardez maintenant à droite de l'entrée, en hauteur, le tableau d’Abraham Mignon, "Fleurs dans une carafe de cristal"